El Charleston

El Charleston nació a principios de los años ‘20 como una forma de diversión y distracción después de la Primera Guerra Mundial.
Es llamado así por la ciudad puerto de Charleston, Carolina del Sur y se cree que estas series de pasos tienen su origen entre afroamericanos residentes en una pequeña isla próxima a la ciudad de Charleston. Se bailaba ya en 1903 y se abrió camino hacia las producciones escénicas de Harlem alrededor de 1913. En 1923 se introdujo en los teatros. Llegó al gran público a través del «New Amsterdam Theater» de Nueva York, cuando la compañía «Ziegfeld Follies» representó un número que incluía el Charleston. Fue un éxito inmediato.
Charleston
El ritmo fue popularizado por una melodía 1923 llamada “The Charleston”, compuesta por el pianista James P. Johnson y que se originó en el espectáculo de Broadway Runnin’ Wild.
Pronto se convirtió en una moda y tuvo gran importancia en Europa. Josephine Baker, una de las mayores representantes del Charleston, se convirtió en un símbolo que caracterizó una época de despreocupación.
Josephine Baker
En los años ’20, las mujeres que bailaban Charleston eran llamadas “Flappers” debido a que la manera en que agitaban sus brazos y caminaban recordaba a los movimientos de un pájaro. Muchos estudiantes universitarios de la época vestían “racoon coats” (abrigos de piel de mapache) y sombreros de paja mientras bailaban el Charleston.
Flappers 1920
Mucha gente vio en el Charleston y sus seguidores el final de la moralidad y las buenas costumbres. En 1925 la revista “Variety” informó que, en Boston, las vibraciones causadas por los bailarines de Charleston fueron tan fuertes que causaron el hundimiento de la sala de baile “Pickwick Club”, catástrofe en la que murieron cincuenta personas. En muchas salas se colgaban carteles con las siglas “PCQ: Please Charleston Quietly” para solicitar al público que bailara Charleston.
Hundimiento de la sala de baile “Pickwick Club”
“PCQ: Please Charleston Quietly”
A partir de 1926, el Charleston comenzó a ser desplazado por otros bailes del momento. Hoy en día sigue siendo muy popular y dentro del Swing existen pasos y patrones al estilo del Charleston, a menudo llamados Lindy-Charleston.
Podemos bailarlo tanto en pareja como en solitario. Por eso, en nuestra escuela sumamos pasos dentro de las clases de Lindy Hop,así como también están las clases de Authentic jazz, que dentro de este estilo se llama Solo Charleston.

Lindy Hop

El Lindy Hop NO es un ritmo en particular, ni tampoco al oír una música podemos decir “eso es Lindy Hop”. Es una forma de bailar la música Swing, más precisamente es un estilo de baile que fue muy popular en los años ‘20, ‘30 y ‘40.
Es un baile súper dinámico y con muchísimas variaciones; podés cambiar constantemente de básico y alternar entre posiciones abiertas y cerradas. Como todos los bailes tiene canciones lentas, medias y rápidas, lo que te garantizamos es que una vez que lo bailes, ¡te va a costar mucho dejarlo!
Kaye Popp & Stanley Catron (izquierda) – Leon James & Willa Mae Ricker (derecha)
bailando Lindy Hop
Este estilo tiene raíces en danzas africanas. Su escenario central fue en los salones de baile de Harlem, Nueva York (nota aparte en este blog)
En éstos tocaban grandes bandas y orquestas como la de
Glenn Miller, Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Cab Calloway, entre otras.

Los pasos nacieron tanto de la improvisación como de la herencia de otros bailes como el Charleston, e incorporó elementos de otros estilos como el Texas Tommy, Turkey Trot, Apache Dance, Black Bottom, The Shimmy, The Strut, Cakewalk, The Frisco, Foxtrot, Tap y muchos de los bailes de salón de la época. Todo esto incorporando los pasos abiertos en las tradicionales posiciones cerradas de baile.
Durante los inicios de los bailes de swing coexistieron muchos estilos diferentes que hoy permanecen sin nombre y de los que no existen referencias documentales. Con todo aquel talento creativo presente no cabe esperar una homogeneidad de estilo, sino más bien una combinación ilimitada de diversos bailes populares. Es por eso que al ver bailar Lindy Hop, vemos posturas y pasos tan variados.
Había muchísimas salas donde se bailaba y cada una tiene sus historias y anécdotas. Pero sin duda una de las más famosas salas de baile fue el Savoy Ballroom (nota aparte en este blog): con su pista gigante con capacidad para 4.000 personas y su doble tribuna elevada para las orquestas, atraía a los mejores bailarines del área de Nueva York, tanto blancos como afroamericanos.
1952. Savoy Ballroom, Harlem Landmark
El nombre de Lindy Hop está basado en una curiosa anécdota relacionada con Charles Lindbergh (“Lindy”), el primer aviador que cruzó o “saltó” (Hop) el Atlántico en un solo vuelo sin escalas (1927). Realizó esta proeza con su avión “Spirit of St. Louis”, uniendo el trayecto entre Nueva York y París en algo más de 33 horas.
Charles Lindbergh (“Lindy”), el primer aviador que cruzó o “saltó” (Hop) el Atlántico
En una maratón de baile, un periodista le preguntó a George Snowden (nota aparte en este blog), que era lo que estaba haciendo durante un fragmento de improvisación. Snowden respondió: “The Lindy Hop”.
En el Savoy se organizaban concursos tanto de bandas como de bailarines que poco a poco tomaron mayor importancia. Tal es así que productores de espectáculos vinieron en busca de nuevos talentos y así se formaron compañías profesionales de bailarines que difundieron estos bailes tanto en giras como en películas de la época. El Lindy Hop alcanzó tanta popularidad que incluso la edición de la revista Life del 23 de agosto de 1943 declaraba al Lindy Hop como baile nacional. Después se extendió rápidamente por Europa a través de espectáculos de compañías profesionales de bailarines y películas.
Uno de los grupos más famosos de la época fue el llamado Whitey’s Lindy Hoppers, que realizaron varias películas en Hollywood, obras musicales en Broadway y recorrieron gran parte del mundo (nota aparte en este blog).
Whitey’s Lindy Hoppers
Hoy en día, no se puede hablar de Lindy Hop sin nombrar a uno de los más grandes bailarines del Savoy, que introdujo los pasos acrobáticos durante los años ‘30: Frankie Manning (nota aparte en este blog), que tiene un papel fundamental en la historia y por lo que hoy es conocido como el embajador del Swing a nivel mundial.
Frankie Manning: Embajador del Lindy Hop
El Lindy Hop es el precursor de los estilos Boogie-Woogie y Rock and Roll, que se desarrollaron durante los años ‘40 y ’50. Luego de que los bailes en pareja perdieran terreno con los bailes pop, donde se bailaba separado y casi sin contacto con otra persona, surge una ola de recuperación del Lindy Hop en los ‘80. Maestras y maestros de la época dorada del Swing fueron contactados para transmitir sus conocimientos a las nuevas generaciones. También, en los ‘90 aparecieron bandas de Neo-Swing y un famoso comercial de GAP en 1998 que ayudaron mucho a la recuperación y difusión.

Estilo Savoy y Estilo Hollywood

Hoy en día todo está mucho más unificado, pero años atrás era muy normal escuchar que alguien te preguntara: ¿bailás estilo Savoy o estilo Hollywood?
Se suele llamar estilo Savoy al estilo más puro del baile de las pistas de Harlem donde nació el Lindy Hop; y estilo Hollywood al que bailaban los bailarines de California y que aparecía con más frecuencia en películas. Pero si lo pensamos un poco, esta división no tiene mucha lógica: en el Savoy se bailó durante décadas y eso hizo que el estilo sufriera modificaciones a través de los años ’20, ’30 y ’40.
Al mudarse a California, Dean Collins enseñó Lindy Hop a bailarines que nunca habían estado en Harlem, como por ejemplo: Bob Ashley, Irene Thomas, Jean Veloz, Wally Albright, y Lenny y Kay Smith. Con los años, los bailarines que tomaron clases con Dean Collins decidieron llamar estilo Dean Collins Style o Hollywood Style; pero no debemos olvidarnos que Dean Collins aprendió a bailar en Nueva Jersey y bailaba en muchas salas de Nueva York, incluso en en el Savoy Ballroom, donde sin duda se inspiró en otros bailarines y como muchos otros, tenía su estilo propio (nota aparte en este blog) .
Entonces, si veíamos a los bailarines más parados, se tomó esa postura como propia del Hollywood Style; y si veíamos a bailarines con el torso más cerca del piso o en posiciones más deportivas, era común relacionarlo con el Savoy Style.
Dean Collins & Jewel McGowan, 1942
Es muy difícil hacer comparaciones ya que bailarines del Harlem actuaron en muchas películas de Hollywood; en la mayoría de sus apariciones en películas. Los Whitey’s bailaron canciones rápidas y casi siempre con movimientos coreografiados, mientras que los bailarines So-Cal (South California) bailaban canciones más lentas, por lo cual siempre nos va a faltar verlos en la situación opuesta: por esto, toda comparación es complicada. Se puede hablar mucho del tema, ambas costas tenían sus similitudes y sus diferencias y ambas se nutrían entre sí.

East Coast Swing, Jive, Ballroom

Cuando los profesores de baile de salón vieron la popularidad que tenía el Lindy Hop quisieron empezar a enseñar a bailar Swing. Como tenían una reputación de bailarines correctos y el Lindy Hop tenía la reputación de baile más desprolijo y popular, lo alejaron de las bases y lo hicieron más académico. Trataron de hacer un baile sencillo, para un público de clase alta que se concentraba más en ir a tomar clases. Por este motivo, usaron pasos y figuras sencillas, generalmente en seis tiempos; también le añadieron movimiento de cadera y mezclas de otros bailes de salón. Como resultado de todo esto pasaron a llamarlo East Coast Swing.
Esta manera tan formalizada de bailar llegó a la versión de competencia del Ballroom Swing, llamado Jive, donde todas las parejas bailan esencialmente lo mismo y no se permite ninguna desviación de la norma.

West Coast Swing

Se originó a partir del Lindy Hop, aunque del estilo de West Coast Swing que se baila actualmente ha desaparecido toda similitud con sus raíces en el Lindy Hop original. Hay que remarcar que en una época se le decía West Coast Swing a los bailarines que seguían la influencia de Dean Collins y el ya nombrado estilo Hollywood. Hoy en día, el West Coast Swing es algo distinto.
Skippy Blair fue probablemente la persona más influyente en el desarrollo del West Coast Swing moderno. Tras enseñar durante unos años en una de las escuelas de Arthur Murray, desarrolló varios métodos para la enseñanza del West Coast que aún se utilizan hoy en día.
Técnicamente, el West Coast Swing consiste en patrones de 6 y 8 tiempos y es un baile muy encarrilado. La mujer se desplaza adelante y atrás a lo largo de una línea recta, mientras que el hombre prácticamente permanece en el mismo sitio, entrando y saliendo ocasionalmente del carril para dejar paso libre a la mujer.
Hay multitud de movimientos de manos y brazos, ‘under arm turns’, pasos a izquierda y derecha, giros, vueltas, etc. La mujer comienza sus movimientos dando dos pasos hacia adelante, seguidos por dos ‘triple-step’ (o un ‘triple-step’, dos pasos y otro triple).
El segundo triple se realiza generalmente sobre un mismo sitio y se le llama ‘anchor-step’. El propósito principal del ‘anchor-step’ es el de restablecer la tensión física entre ambos bailarines, cosa que generalmente se consigue reclinando el cuerpo ligeramente hacia atrás. En muchos bailes y competencias de West Coast se puede ver montones de purpurina, ‘rhinestone belts’, tacones de aguja, y gente bailando el Hustle y música ‘disco’.
La música utilizada normalmente para el West Coast Swing es relativamente lenta, apenas supera los 130 beats por minuto. Raramente se ve algún tipo de patrón de los que normalmente se asocia con el Lindy Hop.

Jitterbug

El término Jitterbug ha tenido diferentes significados a lo largo de la historia de los bailes swing. En principio designa a todos los bailes Swing en general, tanto Lindy Hop como sus variantes, particularmente aquellos practicados por norteamericanos blancos.
Hasta mediados de los años ’30, la palabra Jitterbug tenía carga peyorativa, y se refería a bailarines mediocres que parecían agitarse y bailar sin control, como borrachos con delirium tremens.
A partir de 1935 y bajo el influjo de Cab Calloway, un jitterbug era simplemente un entusiasta del baile Swing, incluyendo estilos como el Lindy, el Balboa o el Claqué. Así, a finales de los años treinta, los medios de comunicación y la amplia mayoría de bailarines fuera de la ciudad de Nueva York habían adoptado al Jitterbug como nombre genérico para referirse a todas las formas de los bailes de Swing.
Durante la Segunda Guerra Mundial, el Jitterbug fue la versión blanca del Lindy Hop y de otros bailes swing que los soldados estadounidenses exportaron a países europeos como Inglaterra y Francia (y que generarían otros bailes, como el Jive o el Boogie-Woogie). Entre los años ‘40 y ‘50, la música más popular empezó a acelerarse y los estilos de baile en general empezaron a cambiar y a evolucionar. Además, vocalistas individuales como Peggy Lee, Frank Sinatra y Nat King Cole, empezaban a sustituir a los músicos y a las orquestas como pieza central del entretenimiento musical.
En los años 50, “jitterbug” fue también la forma de llamar al bailarín de la primera música Rock&Roll, que produjo un uso más extensivo de los triples y mecánicas ligeramente diferentes en el Lindy Hop. El Rock&Roll original se bailaba con Lindy Hop, y no se parece al baile Rock&Roll moderno.
Actualmente, se considera que Jitterbug es todo bailarín de Swing, aunque Jitterbug posee un significado menos sobrio que el de “Lindy Hopper” u otros términos genéricos, evocando el espíritu y las emociones de los bailarines originales.
Técnicamente, el Jitterbug se define normalmente por su habilidad para combinar un paso básico de seis tiempos con otros patrones de seis y ocho tiempos. El básico de seis tiempos del Jitterbug puede consistir en una variedad de combinaciones estilísticas. El patrón más habitualmente utilizado hoy día es el «single-step, single-step, rock-step». También, muchos bailarines de Jitterbug de los años cuarenta y cincuenta utilizaban el ‘Collegiate Shag’ de seis tiempos como patrón básico.
Estilísticamente, el Jitterbug es similar al Lindy Hop. El Jitterbug muestra un aspecto ligero, despreocupado y ligeramente brincoteando. Se baila manteniendo un centro de gravedad bajo, con el peso desplazado generalmente hacia adelante, las rodillas flexionadas y elásticas, una sensación de balanceo en los pies y una postura corporal «suelta», pero aun así controlada.
Jitterbug